Algunos acontecimientos del pasado reciente, aparentemente sin relación entre sí (la pandemia y los casos a partir de George Floyd en la base del movimiento Black Lives Matter) han llevado a una especie de reflexión sobre uno de sus elementos comunes: la presencia/ausencia del acto de respirar. Esta función, innata, instintiva y en la base de la existencia en la vida, se ha puesto claramente de manifiesto tanto cuando ha sido impedida a sabiendas por un tercero, como en el caso de los asesinatos policiales, como cuando ha sido expresión de una acción destructiva. poder a escala mundial de una enfermedad que extrajo su fuerza devastadora precisamente de la privación de la capacidad respiratoria de los individuos. La exposición de Aiello y Atelier Insense (aka Adriano Rosso) surge de la yuxtaposición simbólica de los dos estados respiratorios: la presencia y ausencia de la respiración como condición de vida. Por un lado (Atelier Insense) la declaración explícita, violenta de una violencia impuesta y sufrida del soplo que falla, por otro (Sergio Aiello) la percepción de atmósferas veladas, que si bien no se incluyen en lo figurativo en sentido estricto, traer a ciertos conceptos propios de cierto arte oriental, donde lo no dicho está presente y es protagonista y rige la obra en su conjunto, en virtud de su presencia implícita pero esencial. Las obras expuestas, nacidas de los caminos independientes de los dos artistas, realzan esta forma de dualismo, esencialmente la línea fronteriza vida/no vida, independientemente de las causas que la generaron, destacando su sentido más universal y deliberadamente presentado en la exposición en una forma opuesta no para dividir sino para subrayar la unicidad del todo a través de sus partes componentes. El mensaje que lanza la exposición radica en la recuperación de la conciencia sobre la importancia fundamental del instinto de supervivencia, manifiesto como en la obra de Atelier Insense o latente bajo el rastro con las obras de Sergio Aiello. En los dos últimos años muchos comportamientos individuales y colectivos se han visto modificados instintiva o forzadamente por situaciones contingentes, se han revisado y corregido algunas escalas de prioridades, si no de valores, pero, a pesar de ello, existe un riesgo real de que este camino no deseado arriesgue ser borrada en el corto plazo por la escasa capacidad de memoria histórica que nos aqueja a todos. Esta dinámica también incluye la conciencia del hecho de que no puedo respirar y que estoy vivo porque respiro ¿Quién, cómo, qué, cuándo, dónde se volverá a traspasar esta frontera? ¿Cómo vamos a darnos cuenta de que nos estamos acercando peligrosamente a él? ¿Cuáles serán las estrategias que adoptaremos para volver a las condiciones de seguridad o estaremos indefensos ante la condición de que i CAN'T BREATHE?
Daniele D’Antonio, 2021
Síntesis y descomposición en elementos esenciales se encuentran en los lienzos de Sergio Aiello, cuya investigación se centra en la abstracción del paisaje. El proyecto "So_close_So_far" incluye "Tempo presente", una reflexión visual monocromática en "blanco más blanco" sobre las dimensiones espacial y temporal contemporánea, siempre paralela, indefinida y muy actual. Con Paisajes Complementarios el artista hace perceptible el horizonte infinito, duplicando la perspectiva en los extremos del espacio-lienzo. Es un cambio de visión que te permite ser consciente del infinito, sin embargo, sin dar certezas sobre él: lo que ves, de hecho, no siempre es se entiende perfectamente. El infinito, por tanto, un concepto que permanece inexplicable en su totalidad, se convierte en un medio interesante para confirmar nuestra finitud.
Nadine Bajek
Por lo general, cuando estoy a punto de escribir un texto crítico, siempre estoy rodeado de libros, revistas y cualquier otra cosa que pueda influir creativamente en mi escritura. Cuando Sergio me pidió que escribiera. Para él esto no sucedió. La razón es una. Su trabajo me atrae. Me apasiona. Al igual que su persona, su pintura es abrumadora, es real. No es la basura habitual, es "realidad sólida" . Alguien lo llama arquitecto paisajista, para mí es poeta. En este caso me recuerda a Ungaretti. Sibillino pero exhaustivo. Pobre y al mismo tiempo redundante. Más allá del gesto técnico (superfino y magisterial) más allá de los colores encantadores(para mí, afrodisíacos), sus obras son una "luz inmensa". En su minimalismo pictórico hay un mundo por descubrir. Un mundo que me recuerda a la infancia en Forlì. Un universo territorial, el uno, formado por barrancos. El blanco calcáreo que hace el amor con el cielo azul de Augusto. En sus pinturas me sumerjo sin respirar porque morir en él sería una buena muerte. En una mirada al cielo, pude respirar la inmortalidad que nos gustaría a todos y un artista aún más. Las pinturas de Sergio más allá de los golpes de espátula, el material superpuesto, más allá de cualquier memoria atávica, lo hace sentir bien. Para experimentar una su pintura, debe tocarla, debe olerla y, para rematar, puede apoyarse en una escucha y escucha el zumbido de su tierra o esa voz que te invita a quedarte . La iluminación del infinito no es imposible. Solo créelo y tenga la suerte de conocer el que recibió un regalo: para hacerle vivir las emociones que corremos hoy en día sin saber cómo vivir más.
Claudio Lorenzoni
Se ha perdido mucho tiempo discutiendo la actual contemporaneidad de la pintura: ¿sigue siendo "legítimo", siguiendo la tradición, o es anacrónico? Lo que impulsa a un artista en esta parte del tercer milenio a expresarse (aún) con la pintura y, más raramente, con la pintura de paisajes, es uno de los muchos fenómenos que llenan el mundo del arte contemporáneo, que sin parpadear tiene éxito desde la sugerencia más profunda de un "white cube", que se presenta como un objeto o espacio artístico la exposición no importa, siempre queda hielo - hasta la imagen pintada y debidamente enmarcada por colgar en lo que una vez llamó la sala buena. Sergio Aiello ahora es un pintor experimentado, detrás la escuela llamada "gavetta" nel siglo pasado, que no solo enseñaba las bases esenciales para poder pintar... "Mientras se pinta una imagen, al mismo tiempo se destruye", dijo Giovanni Frangi, quien por impulso me acerque a Sergio Aiello cuando vi sus paisajes por primera vez, sin pensar en Turner, a quien él me confía ser su ideal, pero Turner funde los colores ("utque erat et tellus illic et pontus et aer" cantó Ovid), Aiello los superpone: es la diferencia entre una salsa y un plato, Turner es un menú exquisito compuesto solo de salsas, extraordinariamente irreal, impensable, una maravillosa excepción que solo pudo inventar él mismo -, porque no hace alarde de los meros datos documentales, y en la imagen que crea, sabe transmitir una sensación de distancia y pérdida. Sus pinturas se convierten en tan puros deseos del horizonte, "Posibles campamentos dentro del infinito" (Luigi Meneghelli). En los últimos trabajos, presentados en esta exposición, encontramos ante paisajes que, a pesar de que el artista está tomando los movimientos de la realidad programáticamente, evitan la reproducción descriptiva de la naturaleza. Con un ritmo cromático marcado por azules, tierras quemadas y desgastadas, rastros de fuego ardiendo entre carbones polvorientos, las vistas de los marines se suceden a menudo inervado por goteos transversales de esmaltes virales. La tierra y el agua se tocan y chocan, se abrazan y se entrelazan. Espacio real e las imagen se suceden lienzo tras lienzo sin fisuras, disolviendo detalles realistas en áreas de color homogénea. Aiello actúa de manera sintética aislando colorísticamente a los sujetos del contexto (el tema parece de hecho ahora haber llegado a ser, en el límite de relevancia, conceptualmente fluido y portador de interés si no fuera por su posible potencial de manipulación), mientras que el dibujo, la "forma mentis" que diseñó la escena, sirve ahora solo para definir las líneas de fuerza dentro de la cual se desenrollan los elementos principales de la composición. Procede por síntesis, por concentración, capa después capa, engrosando hasta el núcleo, mezclando y diluyendo en los bordes, buscando la disolución, persiguiendo el alma de la figura (de un servil imitación) ahora desapareció en el horizonte, sublimado en el nombre de una perspectiva más amplia en la que voló para buscar refugio después de haber sido expulsado de la escena . Son las manchas de color que dibujan su paisaje, mezclado, superpuesto, rayado: espeso material esparcido sobre un lienzo que brilla de manera diferente, alien, deslumbrante e intimidante, que encarna los resultados estilísticos del artista llevándolos al extremo gramática pictórica. La pintura permanece así en una etapa donde la imagen, aún reconocible, se transforma irremediablemente, incluso descamación, en una visión personal y lírica, con la intención para revelar una sensación luminosa, una alusión formal. En el lienzo, reaparece la atmósfera de un paisaje real, que penetra, resuena y vuelve a encontrar vigor esa misma realidad de la que el pintor parecía haberle quitado. Al eliminar detalles, en casi ausencia total de descripción y narración, la exposición parece indicar la tendencia hacia la autonomía total de la investigación de Aiello, paralelo y, por lo tanto, separado del flujo continuo de imágenes que es la realidad. A la copia mimética o su reinterpretación figurativa el artista contrasta una fuerza gestual capaz de llevarlo hacia una independencia total de (su) pintura de cualquier paesaje delòl mundo, visto o preexistente. Es precisamente aquí donde existe su legalidad como pintor y como paisajista incluso en el umbral del tercer milenio, en su totalidad y casi total predominio globalizador del arte contemporáneo.
Gianfranco Schialvino